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Hecho el cónclave de severos especialistas cinematográficos que compone la sección cinematográfica de SLITHERSMUSICZINE, aquí os dejamos el fruto de días y días de deliberación. Si la del cine nacional fue definida al calor del amor en un bareto jamonero, ésta, dado el soberbio año de cine francés que hemos disfrutado, tuvo lugar en una quesería. Ahí entraron todos menos uno. Uno que piensa que ese producto lácteo sólo puede ocasionar placer a los adictos al pie calcetinero de gimnasio. Ese prefirió darle a la mollera en una pastelería especializada en Tarta Tatin.

La lista ha sido atendiendo al parámetro cronológico y distribuitivo siguiente: han sido considerados todos los films estrenados en sala grande de nuestro país desde el 1 de enero hasta el 14 de diciembre del presente año. Hacemos constar que, por diversos motivos no han podido ser visionadas propuestas tan loadas como CUMBRES BORRASCOSAS, de Andrea Arnold, UN AMOUR DE JEUNESSE, de Mia Hansen-Love, UN HOMBRE SIN PASADO, de Lee Jeong-Beom, HISTORIAS DE SHANGAI, DE Jia Zhang-ke y, sobre todo, ESTO NO ES UNA PELÍCULA, de Jafar Panahi.

De la misma forma, no ha sido incluida A TURIN HORSE, de Bela Tarr, puesto que fue mencionada en el apéndice del listado del año pasado. También nos gustaría destacar un título que fue visto por nuestro corresponsal en la Berlinale 2012 y que no ha conseguido distribución en nuestro país; de haberlo hecho seguro que estaría en lo más alto del listado. Nos referimos a la impresionante JUST THE WIND, del húngaro Benedek Fliegauf. Hechas, pues, todas estas consideraciones preambulares,  aquí dejamos a consideración de los lectores nuestro listado de lo que creemos que ha sido el mejor cine internacional estrenado entre nosotros durante este año.

25.- SKYFALL, de Sam Mendes.

El agente secreto que acompaña a la Reina de Inglaterra hasta a la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres sigue en un admirable estado de forma. El acercamiento al universo Bond llevado a cabo por Sam Mendes ha resultado novedoso, arriesgado, denso y definitivo, pues para nosotros SKYFALL es, con diferencia, uno de los tres mejores episodios de toda la saga.

El autor de REVOLUTIONARY ROAD dispone un tratamiento muy oscuro del personaje. Asistimos al hundimiento y a la resurrección del mito. Lo original de la propuesta es que para ese resurgir de entre las cenizas se ha echado mano de un guión modélico que hurga en el lado menos conocido del personaje. SKYFALL no se plantea vivir de rentas pasadas sino que se toma la sofisticada y calibrada paciencia de modelarlo humanamente. Unos diálogos excelentes, una apertura formidable y unos actores en estado de perfecta agitación ponen la guinda perfecta a este nuevo Bond con licencia para manifestar vulnerabilidades.

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24.- MILLENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES, de David Fincher

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No nos duelen prendas. Pese a que quienes admiramos a David Fincher preferimos verlo enrolado en otro tipo de aventuras más personales, su versión sobre la famosísima MILENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES supera con creces a la prosa de Stieg Larsson. Desde que supimos que el autor de SEVEN iba a situarse a los mandos de la adaptación de la novela, todos tuvimos la certeza de que el best-seller había encontrado el bisturí perfecto para que lo diseccionara. El resultado está a la altura de nuestras suposiciones.

Fincher impone su siniestra elegancia sobre la madeja de corrupciones prestada por el material literario. La película depura las bagatelas escritas, concentra la enrevesada trama y, sobre todo, potencia la candente credibilidad de sus dos protagonistas. El film es seco, afilado, punzante e instintivo. Rooney Mara escupe una Lisbeth Salander sencillamente arrolladora. Un Fincher menor no implica un mal Fincher. De la misma forma que un Fincher de encargo en ningún momento deja de imponer  a un Fincher en estado puro.

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23.- PROFESOR LAZHAR, de Philippe Falardeau

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Uno de los films más emotivos del año. Desde Canadá nos llega este sensible ejercicio cinematográfico que ahonda de forma pulcramente veraz en ese universo trufado de incertezas y de tensiones que es siempre el aula de un colegio. Philippe Falardeau nos propone un rastreo tan humano como libre de sensiblería tramposa sobre una clase cuyos alumnos acaban de sufrir el shock de un durísimo acaecimiento.

La película tiene el acierto de trascender el consabido enfrentamiento profesor /alumnos proponiendo una severa indagación sobre la compleja personalidad del buen profesor Lazhar. El realizador atiende al progreso de la relación de su protagonista con ese grupo de alumnos a los que tiene que aprender a conocer haciendo mediar un poderoso, nada impostado naturalismo observativo, al que contribuyen las credibilísimas interpretaciones de todo el grupo actoral. Una película tan especial como necesaria.

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22.- LOOPER, de Rian Johnson

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Original thriller de ciencia ficción. Rian Johnson, mediante él, se abre paso entre la no muy numerosa trole de nuevos realizadores norteamericanos a seguir. LOOPER confirma las posibilidades de un sabio profesional capacitado para imprimir una inusual potencia al cúmulo de imágenes perfiladas dentro del film. Éste propone una encrucijada nada fácil de solventar. Lo pasmoso es contemplar como Johnson hace, de esa dificultad, la virtud más loable.

LOOPER aprovecha al máximo las posibilidades que ofrece un film futurista en el que la escenografía no remite a un universo muy alejado al de nuestros días. La compleja lid espacio-temporal sobre la que bascula la clave de la trama supura, gracias a él, un siniestro reconocimiento iconográfico. El joven realizador impone sequedad, precisión y laconismo  a la tesitura profesional que debe resolver el protagonista. Las ajustadas escenas de acción van viendo relegada su importancia en aras de un jugoso devenir dramático que impone la aparición del personaje femenino principal. Una estupenda sorpresa.

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21.- DE ÓXIDO Y HUESO, de Jaques Audiard

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Pese a que seguramente se trate de uno de los trabajos más imperfectos de su autor, no podemos más que seguir admirando el trabajo de ese gran tensionador de planos que es el galo Jaques Audiard, desde luego, uno de los tipos que mejor ejecutan el oficio de dirigir dentro del actual panorama del cine europeo. DE ÓXIDO Y HUESO contiene –no lo negamos- algunas resoluciones que parecían hasta la fecha impropias del autor de UN PROFETA, sin embargo, en sus mejores momentos nos devuelve el aliento energético, arrojado y visceral que lo caracteriza.

La historia del acercamiento mutuo entre un inconsciente guarda de seguridad de discoteca y una entrenadora de orcas a la que le son amputadas las dos pierna tras un percance en el centro acuático donde trabaja depara un melodrama pasional que cuaja sus mejores momentos cuando la cámara del director logra depurar los apuntes más esperables a dicho entrecruzamiento. La película dista mucho de ser redonda, pero supura la autenticidad que el francés siempre es capaz de esculpir en todos sus proyectos. La complicidad de los dos actores principales es asombrosa. DE ÓXIDO Y HUESO es imperfecta, mas atrapa por la cercanía y la escasa contemplación con la que está observada la cotidianeidad de los dos vapuleados personajes.


20.- ARGO, de Ben Affleck

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El tercer largometraje de Ben Affleck sirve para confirmarlo como un formidable narrador cinematográfico y, por lo tanto, para certificar que la fascinación generada en torno a su demoledor debut con ADIÓS, PEQUEÑA, ADIÓS debe seguir siendo alimentada. ARGO es un estupendo ejemplo de versátil profesionalidad, pues logra hacer pasar por fácil un envite de enconada incomodidad estructurativa.

ARGO vale como efectivo documento histórico analizador de un hecho concreto (el asalto a la embajada norteamericana de Teherán cometido por partidarios del Ayatolá Jomeini), como relato político cuestionador de la política exterior estadounidense, como ficción esclarecedora de un hecho poco conocido (el ardid que los servicios secretos yanquis tuvieron que maquinar para sacar de Irán a seis funcionarios de la embajada escondidos en el domicilio del embajador canadiense), como artesanal thriller de acción hecho al modo del cine político-policial de la época que retrata, y como socarrón puyazo para con los equipos rectores de Hollywood. Historia, tensión, humor e impresionante recreación de ambientes: todo admirablemente urdido e integrado de la mano de un, ya, efectivo cineasta.

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19.- UNA VIDA MEJOR, de Cédrick Khan

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Dados los tiempos que corren, resulta de justicia alabar una propuesta tan razonable, directa, esclarecedora y reconocible como la que Cédrick Khan propone en UNA VIDA MEJOR. La brutal crisis económica mundial y sus consecuencias, sus implacables consecuencias sobre el más común de los mortales: ese pobre ser humano sobre el que se cierne todo el peso del caos capitalista en el que nos han instalado de tan agria forma una suma de ocultos y complejos intereses socioeconómicos.

En UNA VIDA MEJOR una joven pareja decide abrir un negocio propio: un restaurante situado en las afueras de Paris. Una serie de equivocadas decisiones convertirán en pesadilla lo que iba a ser la materialización de su sueño. Khan atiende de manera frontal a la espiral en tromba de abatimientos personales contra los que habrán de luchar ambos. Claro está, semejante esfuerzo, semejante suma de decepciones acabará haciendo cruenta mella. La película es creíble aún cuando se atreve a tomar una serie de inesperados riesgos en su último tercio. UNA VIDA MEJOR es directa, nítida, dura y, sobre todo, noblemente humana, pues no escatima culpas a nadie; incluso a la inconsciencia de los protagonistas. Khan evita juicios y maniqueísmos facilones. De ahí que su film depare un justo encontronazo de dramática verdad.



18.- LOS IDUS DE MARZO, de George Clooney

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Notable radiografía política la que nos brinda esa apasionante personalidad artística total que es George Clooney. 2012 ha sido un año impresionante para él. Como actor logró su interpretación más memorable hasta la fecha de la mano de LOS DESCENDIENTES; como productor lo advertimos en la trastienda de la notable ARGO; y como realizador ha sido capaz de obsequiarnos este  admirable ejercicio dramático que es LOS IDUS DE MARZO, su particular versión de los tejemanejes mediáticos sobre los que cabalga la actual política norteamericana.

El film describe los modos y maneras de actuar de los grupos de profesionales encargados de dirigir las campañas electorales de los máximos aspirantes al poder político norteamericano. LOS IDUS DE MARZO saca máximo partido a un guión magnífico en el que se pincela a todos y cada uno de los personajes con una descarnada doblez a cuestas. La inocencia es una estúpida utopía envenenada por  las babas aviesas de todo el nido de víboras que pulula en la trastienda escenificada. Trastiendas, marionetas, borrones, manchas y cepos. El lado oculto del escenario servido por un plantel de actores en plena forma,  atendido por la serena impiedad de un realizador muy, muy espabilado.

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17.- MARTHA MARCY MAY MARLENE, de Sean Durkin

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Podemos considerar el debut de Sean Durkin como el mejor debut que nos ha llegado desde USA este año. El consabido cine “indie” halla en él uno de sus discípulos más estimulantes. MARTHA MARCY MAY MARLENE  cuece sus deslizantes señas de identidad en los mimbres modestos, pretendidamente poco convencionales  de ese tipo de cine amparado al recaudo magnificador del Festival de Sundance.

Sin embargo, el film se eleva por encima de esa muchas veces cansina adscripción ofreciendo un hondo retrato de una joven mujer absolutamente desorientada e insanamente marcada por ese doliente, poderoso aturdimiento. La protagonista del film es una chica que ha logrado escapar a las redes esclavizantes, anuladoras y siniestras de una secta religiosa. El escaso bagaje argumental de la película lo definen los denodados esfuerzos por intentar romper el cordón umbilical que la une más que afectivamente al líder de la comuna en la que ha estado desaparecida durante mucho tiempo. Durkin presta una adhesiva observación a la protagonista, haciendo mediar una dolorosa confrontación con la hermana que la acoje en su hogar. MARTHA MARCY MAY MARLENE depara un oscuro, tenso, extraño  melodrama, en el que resulta altamente destacable la rotundidad actoral de una superlativa Elisabeth Olsen.



16.- WAR HORSE, de Steven Spielberg

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Pese a estar firmada por uno de los nombres fundamentales, poderosos e influyentes del cine estadounidense contemporáneo, WAR HORSE, contra pronóstico, es de los films más injustamente tratados este año. El baño de esencial clasicismo narrativo que regala Steven Spielberg en esta sentida y cabal WAR HORSE no merece la tibieza generalizada con la que ha sido despachado. En tiempos de tanta pirotecnia estridente, ampulosa y sobrecargante, hay que valorar en su justa medida la supeditación de un gran presupuesto a los parámetros formales tan artesanales, rotundos y evocativos que el autor de TIBURÓN reivindica en él.

WAR HORSE aprovecha el azaroso itinerario de un caballo irlandés durante la Primera Guerra Mundial para definir una apasionante lección cinematográfica sobre lo que es tratar de rescatar los valores del cine clásico de los años 30 y 40. El recuerdo de los grandes maestros de esa época sacude todas las imágenes del film concretándose en secuencias tan admirables como las de la carga con sables sorprendida, como la de la relación amistosa del animal con otro ejemplar o, fundamentalmente, la que describe la convivencia del animal con su joven amo antes de que se inicie el conflicto. Para el recuerdo el plano de las aspas de un molino que impiden ver la resolución de un fusilamiento. WAR HORSE supura un atractivo aroma a gran cine añejo. Ya estamos esperando con ansiedad el LINCOLN del maestro.

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15.- MÁTALOS SUAVEMENTE, de Andrew Dominik

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Cine negro existencial, cine de gánsteres reflexivo, cine de género con mirada socioeconómica… resulta tarea difícil y se diría que incluso inútil intentar catalogar esta nueva propuesta de Andrew Dominik. Lo que es incuestionable es que este ejercicio lo consagra definitivamente como cineasta mayúsculo, poseedor de ese caro sello distintivo que es la posesión de un impasible sello personal.

El robo cometido por un par de desquiciados e incapaces malhechores en un lugar de apuestas y juego regentado por un esbirro de un poderoso grupo de mafiosos da inicio a una serie de acontecimientos vengativos llevados a cabo por un matón contratado para poner las cosas en su definitivo y sepultado sitio. Sin embargo, en MÁTALOS SUAVEMENTE lo de menos es la concatenación de hechos. Dominik renuncia a la exposición clásica de ellos y privilegia el desarrollo dialéctico habido entre personajes. La tensión, la ironía, el distanciamiento, el desmarque y el atractivo de la función reside en los combates verbales que dirimen los variopintos personajes. Unos actores en estado de gracia disparando la magnífica munición verbal y escénica deparada por el realizador y una furiosa diatriba sobre el malestar económico que nos azota universalmente hacen de este film una experiencia sanamente distinta de lo que es disfrutar de una buena sesión de cine negro.

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14.- COSMÓPOLIS, de David Cronenberg

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2012 ha sido el año de las limusinas blancas. Ambas coincidieron en ese garaje de lujo llamado Festival de Cannes. Desde su puesta en marcha allí, tanto la conducida por Leos Carax como la comandada por David Cronenberg no han hecho otra cosa sino convertirse en manantial de polémicos ríos de tinta. El maestro canadiense arrancaba los motores de la suya para lograr una densísima, compleja, áspera, antipática y subyugante adaptación de COSMÓPOLIS, la novela de Don DeLilo.

COSMÓPOLIS nos depara un Cronenberg en rotundo estado de depuración que impone esta severísima serenidad contemplativa a sus planos para lograr que el contenido de éstos aparezca como preso, como envasado al vacío, como a punto de estallar. Las andanzas de un elegante niño mimado de las altas esferas económicas neoyorkinas a bordo de su lujosa limusina justo el día en el que las calles de la ciudad aparecen convulsionadas por diversos acontecimientos sirve de plataforma contemplativa de un universo caótico, inhumano, agresivo, devastado e impío. El autor de PROMESAS DEL ESTE despliega una puesta en escena tan aviesa como fascinante, tan detallada como inmisericorde, en la que la utilización de Robert Pattinson no puede ser más que catalogada de positiva y sorprendente. Difícil, espesa, radical… Cronenberg –es lo que queremos- sigue a lo suyo.

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13.- SHAME, de Steve McQueen

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Quizás, la exhibición de estilo más abrumadora del año. La nueva creación del británico Steve McQueen es capaz de concretar un retrato individual, expuesto, sincero y arrojado de un ser humano, que podría funcionar como el paradigma de la soledad y el desasosiego del hombre contemporáneo. El modo furiosamente quirúrgico que el realizador impone para acometer las muchas viciosas sombras de este elegante caballero con la bragueta en permanente estado de fuga viene a convertirse en el necesario instrumental mediante el que tratar de llegar a la tortura que le flagela el alma. La puesta en escena bascula entre lo gélido y lo contenido, entre lo frontal y lo translúcido, pues todo se pone al servicio del punto de vista volcánicamente adusto que requiere la mirada del personaje central.

Michael Fassbender se la juega literalmente en cada plano y sale triunfador de un envite que asume con astucia y desinhibición de kamikaze tranquilo. Su interpretación es inconmensurable, pues el exhibicionismo al que se ve sometido el deambular de su criatura sabe resolverlo con una dramática naturalidad, con una dolida franqueza, que lo aleja del más mínimo conato de impostación.  A su lado Carey Mulligan regala dolida magia de mujer en el filo de una pretérita desesperación inconclusa. El duelo interpretativo es memorable. El dueto de afilamientos gestuales alcanza su cima con la interpretación por parte de ella de un clásico que le pertenecerá durante mucho tiempo.

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12.- AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO, de Zhang Yimou

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En un año en el que el cine asiático ha tenido una presencia prácticamente nula en nuestras carteleras, no podemos más que congratularnos ante el regreso del maestro del cine chino Zhang Yimou a su esencia, al saber hacer que a tantos nos encandiló durante los años 90. AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO nos devuelve la gramática sencilla, medular, depurada, intensa y ágil mediante la que fue capaz de pergeñar proezas como SEMILLA DE CRISANTEMO o VIVIR.

Una exigua historia de amor en tiempos imperativos y tajantes entre dos jóvenes primerizos en lo que se refiere a descubrir el universo de los afectos a flor de piel le sirve de coartada al realizador para que volvamos a disfrutar de su pulcra capacidad para lograr la emoción pura dentro de cada plano. Yimou acompaña a sus criaturas dentro de una narración llena de pequeños aconteceres,  en los que mediante la delicada descripción de mínimos detalles externos, de concisas observaciones gestuales, es capaz de expresar el contenido torrente de sensaciones que ambos van a experimentar. La secuencia de la separación en el río contiene una de las concatenaciones de planos más bellas vistas este 2012. Yimou ha vuelto por donde solía. Los que añorábamos el primigenio lirismo de sus imágenes nos sentimos de enhorabuena.





11.- LOS VENGADORES, de Joss Whedon

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En el año en el que hemos lamentado profundamente no poder incluir en este listado una de las pocas producciones que, a principio de año, parecía condenada a figurar en cualquiera de este tipo de resúmenes anuales, nos estamos refiriendo  al BATMAN: LA LEYENDA RENACE, de Christopher Nolan, saludamos gratísimamente la formidable sorpresa de un proyecto nada fácil de concretar, al que, al contrario de la anterior,  cabía más vaticinarle una aparatosa mediocridad, que, sorpresivamente, no hace aparición en ningún momento.  Joss Whedon nos ha impresionado sobremanera brindando la que sin duda es la película de acción del año.

LOS VENGADORES apura al máximo las bondades de un soberbio guión que tiene la virtud de hacer confluir un buen puñado de eméritas presencias,  y embarcarlas a todas ellas dentro de un periplo en el que todas tienen cabida, contundencia y personalidad. LOS VENGADORES es un magnífico espectáculo cinematográfico en el que confluyen inteligencia en el planteamiento, brillantez escénica y voluntad por dirimir entretenimiento del bueno: esto es, entretenimiento con causa y fondo. Al contrario de otras sagas completamente agotadas, extintas y reiterantes (CREPÚSCULO, EL HOBBIT, etc), Whedon tiene el poderío suficiente como para exponer una briosa reformulación de los personajes Marvel, justo en el momento de su compleja convocatoria final. Un espectáculo en toda regla.

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10.- LA INVENCIÓN DE HUGO, de Martin Scorsese

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LA INVENCIÓN DE HUGO resulta una absoluta delicia en muchos sentidos. En primer lugar, por cuanto vuelve a poner de relieve la asombrosa capacidad que el autor de TAXI, DRIVER tiene para la creación audiovisual concebida como el resultado de una meditada puesta en escena. El film es un festín para los ojos de quien acude a disfrutarlo. En segundo lugar, por la monumental artesanía cinematográfica que despliega para extraer el máximo partido posible a un guión sábiamente progresado, muy abigarrado de personajes y detallismos, en el que los ojos de un niño huérfano que vive cuidando los relojes de una estación de trenes parisina van a hacer de guía del espectador dentro de la ficción deparada. Lo sabíamos ya, pero para duda de incrédulos, Scorsese evidencia una gozosa versatilidad realizativa.

Y, en tercer y más importante lugar, por la sorprendente reflexión histórico-cinematográfica que depara la morrocotuda sorpresa que guarece en su interior. LA INVENCIÓN DE HUGO es una majestuosa declaración de amor al Séptimo Arte, concretamente a los visionarios casi suicidas que decidieron dotar de lenguaje artístico propio a un invento tan fundamental como el cinematógrafo. Evocativa, llena de citas, espectacular y hermosa, LA INVENCIÓN DE HUGO sólo está al alcance de un gran cineasta. Scorsese lo es desde hace mucho tiempo.

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9.- THE DEEP BLUE SEA, de Terence Davies

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La propuesta más aterciopelada del año. Basada en una obra teatral homónima del fundamental Terence Rattigan, THE DEEP BLUE SEA viene a incidir en la elegancia escénica característica de uno de los pocos francotiradores con clase que le quedan al arte cinematográfico hoy en día. Terence Davies sigue inasequible a su radicalidad formal, a la depuración con la que concibe el estudio intimista de sus personajes, al sometimiento indesmayable por prestar el tiempo necesario a que cada uno de ellos exprese y calle el secreto que le acompaña.

En THE DEEP BLUE SEA el objetivo a saetear ensombrecidamente es una mujer felizmente casada a la que, de súbito, la anega un sentimiento amoroso para con la figura de un antiguo aviador del ejército británico. Ella lo deja todo por él, para muy pronto caer en la cuenta de que él no la quiere tanto como ella sí es capaz de hacer. El film brinda una calmada, lúcida, reflexiva escenificación de la encrucijada de un ser humano que debe decidir entre lo que le dictan sus sentimientos y lo que establece la salvaguarde de su bienestar. Davies se toma todo el tiempo de su perfecto mundo para acometer esta radiografía lúgubre, estática y virulenta en la que los diálogos asumen una importancia esencial. Rachel Weisz está a la altura del mejor papel femenino del año. Su interpretación corta el aliento.

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8.- LA PEQUEÑA VENECIA, de Andrea Segre

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Desde Italia nos ha llegado esta pequeña joya del cine europeo. Andrea Segre implica su acreditado saber hacer documentalista para lograr que el especialísimo marco espacial que engloba el periplo emocional de sus dos protagonistas sepa abundar en la descripción de sus respectivas individualidades. LA PEQUEÑA VENECIA nos presenta a dos seres humanos, cuyo inesperado conocimiento mutuo va a propiciar un emotivo acercamiento de necesidades distintas, pero reparadas, aliviadas al calor de una sentida y necesaria amistad.

Una emigrante china que vive sometida al albur de la gran empresa para la que trabaja y un viejo pescador yugoslavo que vive en el norte de Italia desde hace más de treinta años coinciden en Chioggia, un pueblo pesquero en el que ella trabaja regentando una tasca. Segre se arrima a sus dos emotivos protagonistas con una exquisita sensibilidad, impregnando todas las acciones encuadradas de un lirismo naturalista que jamás cae en tramposa sensiblería. Escueta, emotivísima, frágil, templada, querible, humana… LA PEQUEÑA VENECIA es de esa clase de films que te reconcilia con la capacidad del arte para enseñar recovecos del ser humano que no hay que cesar nunca de asimilar.

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7.- EN LA CASA, de François Ozon

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Basada en una obra teatral de Juan Mayorga, EN LA CASA supone la consagración de su realizador. François Ozon, hasta la fecha, ha sido un director capaz de lo peor, lo mediano y lo notable. Su última obra hace confluir sus mejores virtudes de forma admirable. El galo dirime en él una admirable puesta en escena que sabe religar al máximo la suma de posicionamientos, ansiedades y adicciones que impone la historia.

Una historia que convoca a un profesor, a un brillante alumno y a la mutua interdependencia que genera entre los dos los relatos escritos que el segundo confecciona en torno a la fascinación que sobre él ejerce la familia y el hogar de un tercer compañero de clase. Ozon muestra una aviesa solidez observativa y se emplea a fondo en sacar partido de la progresiva tensión y del candente suspense que generan una intriga dosificada maestramente. EN LA CASA  emplaza un hipnótico juego de miradas en el que el espectador cae rendido ante el cariz perverso y dudoso que va cobrando el relato. La fascinación por el hecho artístico, los límites de la implicación en ella y las consecuencias de transgredir un inequívoco principio ético son algunos de los apuntes reflexivos que inscribe el film para delicia de quien decide dejarse arrastrar por la maraña de efectos hipnóticos convocada en esta obra inteligentísima en todo momento.

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6.- ELENA, de Andrey Zvyagintsev

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Podemos sentirnos muy afortunados de que, aunque con cierto retraso, haya podido hacerse un lugar en la cartelera la última obra de uno de los cineastas imprescindibles del panorama europeo actual. El ruso Andrey Zvyagintsev vuelve a demostrar por qué ocupa ese lugar de referencia. Hoy en día existen pocas gramáticas audiovisuales tan radicales, concentradas, severas y coherentes como la suya. En esta ocasión su acreditado, paciente poderío desazonador tiene como objetivo radiografiar la inquietud de un personaje femenino majestuosos.

ELENA aborda la encrucijada que se le plantea a una mujer de cierta edad que vive emparejada con un multimillonario. Ambos tienen un hijo de un matrimonio anterior. El, una hija que apenas sí quiere saber de su padre. Ella, un hijo de dudoso talante emprendedor que apenas si se esfuerza por sacar a su familia a delante y al que ella ayuda en todo lo que puede. De súbito, el hombre rico fallece. Elena deberá entonces dilucidar un dilema: el de, manipulando a su conveniencia una situación,  decidir si perjudica a la hija de su pareja o, por el contrario,  si beneficia a un hijo que no merece que cometa la osadía presentada. Como siempre en el ruso, lo más importante es el trabajo altamente sensorial e intuitivo que concreta con su cámara. Zvygintsev hace que ésta se convierta en la conciencia de la protagonista. Cámara, punto de vista y balanza moral son todo uno. El autor de EL REGRESO sigue sabiendo cocer confrontaciones de interior como muy pocos lo intentan. 



5 SUBMARINE, de Richard Ayoade

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También con retraso ha llegado a nuestras pantallas este año este deslumbrante debut cinematográfico. Richard Ayoade, reputado director de video-clips musicales, nos ha sorprendido gratísimamente. La imaginación, la capacidad de desmarque, la voluntad por narrar una historia desde un punto de vista tan original como subjetivo y, sobre todo, la precisión por encaminar esta suma de voracidades dentro de un relato que jamás se le escapa de las manos son calidades suficientes como para que lo aupemos a uno de los más altos puestos de nuestra lista.

SUBMARINE, en el fondo, no es más que una variante ansiosamente distinta del clásico “chico conoce chica”. En esta ocasión, tenemos a un adolescente colegial que cae rendido ante el sentimiento que le despierta una compañera de clase poseedora de un carácter muy especial: su fuerte personalidad arrastra por el camino de la adoración a nuestro ensimismado protagonista. La aportación de Ayoade consiste en narrar la relación de ambos imponiendo como único punto de vista la absorta, reflexiva, delirante, excitada y descompuesta visión del mundo que tiene Oliver, el muchacho protagonista. El realizador permite con acierto que se note su pasado artístico pues el lenguaje cinematográfico empleado prima la implicación de numerosísimos, significativos y coherentes juegos de cámara, de efecto y de imagen. SUBMARINE es moderna, voluntariosa, explosiva, tierna y apabullante. Un film delicioso, que hace de la novedad un arma tan lícita como certera.

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4.- LOS DESCENDIENTES, de Alexander Payne

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Cómo nos maravilló la última entrega del fascínante Alexander Payne.  LOS DESCENDIENTES es una de esas películas que en ningún momento opta por hacer evidente la enorme dificultad que acumula su concreción en pantalla. El autor de ENTRE COPAS hace acopio de un inusitado pulso dramático para sostener sin titubeos ni melindres llorones una película articulada en torno a un hecho demoledoramente trágico como el que es expuesto al principio del film.

Matt King lo confiesa abiertamente en el inicio: es un tipo sobrepasado por una serie de acontecimientos que han irrumpido con violencia en su vida. Su mujer acaba de sufrir un accidente marítimo practicando esquí acuático y permanece sin conocimiento en la sala de un hospital esperando a que sea decidida la hora en la que debe ser desenchufada de la máquina que la mantiene con vida. Matt debe ocupar su lugar en la familia; por lo tanto, hacerse cargo de dos hijas a las que no conoce bien. Lo portentosos de LOS DESCENDIENTES es el tono empleado por Payne para narrar una serie de averiguaciones que Matt irá haciendo con respecto a su esposa. Asumiendo la gravedad del asunto central, Payne impone un tono desenfadado, ágil, como de comedia de alto voltaje irónico, que dinamita la tensión trágica del asunto sin insultarla en ningún momento. George Clooney realiza la interpretación de su carrera. La tragicomedia de la vida se cuela por entre los planos de esta película fecundamente triste, cerebralmente vital.

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3.- MOONRISE KINGDOM, de Wes Anderson

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Wes Anderson alcanza la cumbre de su trayectoria con MOONRISE KINGDOM. Sólo cabe calificar de memorable el hallazgo que supone una obra en la que por fin ha sabido convocar todas sus más ínclitas obsesiones sin que la abrumadora cita le quedara críptica, incomunicada, autocomplaciente. 

MOONRISE KINGDOM nos habla de amor en estado primerizo. Un boy-scout escapa de su campamento para acudir a la cita con su amada. El film nos habla de su huida y de todos los esfuerzos adultos que estimulan su búsqueda.  Sin embargo, como casi siempre en Anderson, lo reseñable es la manera con la que éste afronta el reto de mirar a sus personajes. En MOONRISE KINGDOM estalla hipnóticamente esa querencia andersoniana por la fábula, por el universo concentrado, por el tratamiento de los personajes cual si fueran marionetas de un teatrillo o recortables de una manualidad infantil. La nostalgia que derrama el posicionamiento de los personajes adultos contrasta con la pujanza inconsciente, sincera y rotunda que dirimen los dos protagonistas adolescentes. Anderson, por fin, ha hecho de su universo un “país de nunca jamás” accesible, corrosivo, suspirador de ternura, atiborrado de hallazgos y desencuentros, divertido, cómplice, seductoramente artificial y, sobre todo, conmovedoramente cinematográfico.

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2.- TAKE SHELTER, de Jeff Nichols

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TAKE SHELTER compone el encadenado de secuencias más perturbador, sólido, sesgado y turbulento del presente año. Jeff Nichols demuestra que es un majestuoso pergeñador de ambientaciones espaciales y subjetivas. Su film, fundamentalmente, gira en torno al dolor de un ser humano que fracasa en el intento de encauzar una serie de malestares internos que irrumpen en él sin que sepa bastarse por sí mismo para hacerlos acallar. La mente como geografía germinadora de espacios con meteorología imposible de adivinar.

El protagonista del film es un hombre de vida corriente que, de súbito, comienza a verse abordado por una serie de inquietantes visiones. En todas ellas se cierne una negra amenaza sobre su entorno, llegando incluso a aparecer en alguna su única hija, una niña menor que padece de un trastorno comunicativo grave. La película investiga en la mente de su protagonista, pero lo hace no derrapando por el terreno de lo alucinatorio, lo terrorífico evidente, o de la grandilocuencia visionaria. Nada de eso. Nichols aprovecha la radical descripción del comportamiento del protagonista, la inclusión del amplio paisaje rural del entorno en el que se focaliza la historia y, sobre todo, el trastorno familiar que ocasiona lo raro e incomprensible de determinadas decisiones que aquel toma. Una puesta en escena subyugante, ajustada, inmisericorde, luminosa y lóbregamente existencial hace el resto. Una obra mayúscula por insólita, por densa y por limítrofe.

Reseña de la película en SMZ


La crítica especializada ha dicho lo siguiente sobre nuestro Nº 1:

"Una lección de cine libre y salvaje (...) La belleza recorre toda la película, a pesar de que el culto al feísmo y a lo bizarro parezca colonizarla." (Sergi Sánchez: Diario La Razón) 

"Críptico, violento, genial, torpe, enfermizo, cutre y febril. Todo cabe en una película en la que hasta los coches hablan. Tal cual." (Luis Martínez: Diario El Mundo) 

"Película inagotable y mutante, capaz de trascender su aparente pesimismo en el fértil renacimiento de un cineasta inspirador, es un espectáculo ideal para sobreexcitar todas las zonas erógenas del espectador" (Jordi Costa: Diario El País)

“Por más que  puede parecer un completo disparate, lo cierto es que Carax demuestra una extraordinaria habilidad para convertir todas y cada una de las aventuras de Monsieur Oscar, o de los personajes en los que se transforma, en una brillante sucesión de episodios que, cada uno a su manera, vienen a simbolizar diferentes y variadas muestras de géneros, estilos y tendencias cinematográficos.”  (Tomás Fernández Valentí: El cine según TFV)

“Sea como fuere, Carax se la juega a cada minuto, camina por la cuerda floja del ridículo sin caer en él, y logra no una película bella, sino más bien desgarrada y agresiva, como un interrogante sin respuesta. De una cosa, eso sí, estoy seguro: Holy Motors nos lo pone muy difícil para que sigamos hablando de los "herederos" del gran cine francés de los sesenta y setenta. El trono ya es suyo.” (Carlos Losilla: Sensacine)

1.- HOLY MOTORS, de Leos Carax

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No ha habido ni la más duda. Más allá de sus múltiples virtudes cinematográficas, HOLY MOTORS se ha ganado el puesto más alto del listado de cine internacional contemplado durante el 2012, porque es el torrente de imágenes más libérrimo que hemos visionado, porque es una obra hecha desde las sabias entrañas humilladas de un cineasta condenado a una injusta inactividad que se toma  maliciosa revancha en cada uno de sus planos, porque es un grafiti contra el amodorramiento audiovisual contra el que ha sucumbido la mayor parte de la producción del séptimo arte, porque vomita verdades como espadas, porque esgrime veneno de metal, porque taconea hasta romperse los tendones sobre nuestra mirada, porque, en tiempos de tanta papilla borreguizante, hay que alabarle la pasión que pone en componer un discurso enhebrado con alfileres apuntando directo a nuestra retina.

HOLY MOTORS es una soberana lección de multiplicidad cinematográfica. Carax se basta y se sobra para ir saltando de género en género sin que le titubee la brutalidad pesadillesca de su intentona: del drama al fantástico, de la comedia al terror, del cine gansteril al social, del musical al romántico. HOLY MOTORS es un compendio de abrumadora y asfixiante sabiduría cinematográfica que viene a ser un tributo al oficio de actor en pleno siglo XXI, esto es, en un mundo cada vez menos propenso a mirar el gesto del otro, a intuir historias en la silueta del prójimo, a adivinar vidas tras el perfil de quien nos rodea. El señor Oscar es un hombre triste pues ya no sabe ni quien disfruta mirándolo. La grandeza de HOLY MOTORS hay que atribuirla a la radicalidad incombustible de su fluido. Muchos la abominarán. Quienes la amen, harán feliz al Sr. Oscar.

Reseña de la película en SMZ



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